Arte y Mercado: “¡El arte es lo que vende!” / Diego Arredondo


“¡El arte es lo que vende!”

                                                                   Frank Lloyd Wright

                                     Arquitecto, diseñador y escritor.

¿Qué es lo que asigna el valor de una obra de arte? ¿Es la técnica del artista?, ¿su fama?, ¿la historia de su vida?, ¿el tiempo que tardó en realizarla?, ¿el tamaño de la obra?, ¿su antigüedad?,¿la cantidad de latas de sopa o de animales muertos que se usó para crearla?, ¿la interpretación que propone de la realidad de su tiempo?, ¿su extrañeza?

Esto pone en juego un serio dilema, ya que la mayoría de las razones propuestas han justificado el alto valor de una obra por lo menos alguna vez en la historia. Lo cierto es que va más allá de decidir cuál de estas cuestiones es la correcta o real, ya que las interpretaciones que le da a una obra el espectador y posible comprador de ésta pueden ser igual o incluso más complicadas que las ideadas por el artista al crearla, y por lo tanto no se puede generalizar.  Esto se refleja en que ha habido ocasiones en las que alguna obra es comprada a un alto precio no por su técnica, fama o propuesta vanguardista, sino por la interpretación personalísima que le da el comprador a la hora de la subasta, quien le asigna un valor exorbitantemente caro, podemos decir, por su propio “capricho”, por lo que vio en esta obra que lo cautivó.

Así pues, vemos como los conflictos entre lo que es arte y lo que no lo es, lo que es bello y lo que no lo es influyen de manera sustancial a la hora en que se le asigna valor a una obra.

Haciendo referencia a este último punto, se podría afirmar que la técnica, así como la armonía y la concordancia con la realidad de una obra no determina necesariamente su valor, ya que son cualidades que cualquier ilustrador profesional puede lograr, a quien no se le considera siempre como un artista ni a su obra como arte. Vemos entonces que la “perfección de los trazos” nada tienen que ver con asignarle un alto costo a una pintura, por lo menos desde la introducción del expresionismo y, más tarde, del arte moderno a la escena.

 

Ahora bien, cuando el arte es considerado como reliquia, entonces la antigüedad de la pieza influye primero que nada en su valor. Es tal vez esta la única circunstancia en la que ni la técnica ni la fama del autor en sí importan, ya que su valor radica en qué tan antiguo es y su expresión es meramente antropológica o incluso sólo arqueológica. Esto sucede hablando de piezas con varios siglos o tal vez milenios de antigüedad, pero también es cierto  que en el caso de obras de hace un par de siglos se les ha añadido mucho valor adicional por su edad y son considerados, a su vez, como arte aún, y no sólo como reliquias.

Algo que es indudable es que la fama personal del artista y su vida influye primordialmente en el costo de sus obras. Por obviedad sabemos que una obra de alguien muy reconocido como artista es necesariamente cara, y que incluso puede llegar a influir mucho si el autor está muerto o acaba de fallecer, si tuvo una vida trágica, si se le relacionó con algún escándalo polémico, o con celebridades históricas, si fue alguien controversial, si su técnica propuso una vanguardia que cambió la escena del arte y, por qué no decirlo, si era una figura pública simplemente “rara”, en la forma sencilla y estereotipada  de decir que iba en contra de lo bien visto o de lo social y artísticamente correcto de su tiempo.

 El conflicto que encontramos aquí es que siempre va a haber un talento mediatizado o con posibilidades de darse a conocer y otro escondido. Pudieron haber existido otros cincuenta Picassos, Pollocks, Mirós, Cezannes, etc., pero distintos factores, como su aislamiento (voluntario o circunstancial), su rechazo inmediato, la pérdida de sus obras o su esclavitud a un “mundo pequeño”, hicieron que nunca llegaran a nuestros ojos u oídos.

Este es un fenómeno que vemos actualmente, y que está creciendo cada vez más con la explosión de la Web 2.0 y la infinidad de expresiones artísticas que puedes este medio masivo conlleva. Cuántas veces no hemos visto mientras navegamos algún video, imagen o cualquier producto creativo que realizó  una persona “cualquiera”  de algún lugar del mundo (generalmente Asia), y que son verdaderamente increíbles, siendo manifestaciones y propuestas nuevas, ingeniosas, frescas, laboriosas y sobretodo creativas que nunca llegan a ser consideradas de manera general como arte, siendo que la denominación más común a la que llegan, por lo menos aquí en México, es a “pinchi ocioso”.

Con esto vemos entonces cómo la fama es y siempre ha sido un elemento primordial en el arte, que muchos, en sus ideales románticos e idealistas, dirían que es inadmisible, pero lamentablemente es una realidad.

Una vanguardia o una idea innovadora tiene en sí mucho valor artístico, pero no consigue valor monetario real hasta que es dada a conocer, hasta que rompe esquemas de manera escandalosa y sonora, es entonces cuando obtiene fama, y cuando esta propuesta puede valer millones de dólares.


FICHA TÉCNICA:

Opinión: Diego Arredondo

Fotografía: Jeff Graham, Street Artist 09/2007

 

 

 

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Exposición de FotoSeptiembre- Sergio Del Valle

El pasado 3 de Septiembre tuve la oportunidad de acudir al Centro de Arte Moderno de Guadalajara, A.C. donde se estaba apenas montando una exposición del grupo “FotoSeptiembre” que se inaugurará el viernes 5 de septiembre a las 9:00 p.m.
En esta se encontraban las fotografías que resultaron ganadoras del XVI Concurso de la Foto, realizado por el grupo anteriormente mencionado, además de fotografías de algunos invitados, montadas como “flotando” literalmente, es decir colgadas del techo con unos hilos transparentes y acomodadas en zigzag para que atrajeran la atención del observador. Pero lo que más llamo mi atención fueron unas fotografías que se encontraban por las 4 paredes de la galería pero más grandes que las colocadas flotando. Se trataba de las fotografías de David Eisenberg, el cual será homenajeado en esta exposición. Eisenberg es un fotógrafo profesional canadiense, reconocido internacionalmente, que ha tenido oportunidad de plasmar a grandes personalidades tanto de la política, como del espectáculo y la sociedad, y aunque no es un fotógrafo de concursos ha recibido reconocimientos importantes en varios lugares del mundo. De esta exposición, por ser la que más llamo mi atención, es de la que subiré fotografías.

Foto 1. Fotografía sin título. David Eisenberg.








Como mencioné anteriormente Eisenberg ha fotografiado a miembros de la política, entre ellos el ex presidente mexicano Vicente Fox, cuya foto he subido, entre otros. En esta foto vemos a un presidente inseguro puesto que no voltea a la cámara sino esta volteando hacia su lado derecho y la posición es como queriéndose levantar, no esta establecido firmemente. Posiblemente se quiso expresar la posición que asumió durante su gobierno, temeroso, y siempre esperando autorización para realizar cualquier acción que deseara realizar. La fotografía sin duda es muy expresiva y en ella encontramos tonos oscuros contrastados con el blanco de la camisa y con un cierto grado de iluminación en el rostro.







Foto 2. Fotografía sin título. David Eisenberg









Además de tomar a personajes importantes ha plasmado en sus fotografías problemas actuales como la pobreza o la unión de la familia. En esta foto vemos a un señor mayor con un niño, ambos muy sonrientes, se encuentran en un ambiente humilde y ellos también se ven de esta condición, sin embargo notamos en sus bocas una gran sonrisa; creo que lo que nos trata de transmitir que es se puede ser feliz en cualquier condición, y a cualquier edad. Ambos se notan tan felices que parece que no tuvieran problemas, probablemente lo que trata de expresar es que lo que todos deberíamos de hacer es aprender a ser felices con lo que tenemos. En verdad al observar estas fotografías se mueven sentimientos dentro de las personas, por lo menos en lo personal así me sucedió. La fotografía es a blanco y negro y toma muy de cerca a los personajes.

Foto 3. Fotografía sin título. David Eisenberg.


Esta otra fotografía en lo personal fue la que más me gustó; el actor es un monje, luce enigmático, lleno de misterio, en verdad llama la atención. El monje se encuentra en el mar, pero en un ambiente oscuro, el mar siempre representa misterio, inmensidad, algo que no es completamente conocido por el hombre, guarda sus secretos, y al combinar los 2 elementos David obtuvo una obra verdaderamente atrayente visualmente y que expresa muchos sentimientos al mismo tiempo, el monje está casi cubriéndose el rostro y volteando hacia su lado izquierdo, como observando algo, esto ayuda a la sensación de incertidumbre que también expresa la foto. Me gustó mucho todo lo que pudo lograr con la mezcla de estos elementos, sobre todo lo que transmite.


Foto 4. Fotografía sin título. David Eisenberg.





Por último, cabe mencionar que además de tomar personajes importantes y situaciones actuales, también es un fotógrafo comercial. Ha trabajado para importantes revistar y para infinidad de firmas. Entre ellas la prestigiada firma del diseñador Hugo Boss, a la cual pertenece la fotografía que observamos arriba. La fotografía repite el patrón de blanco y negro observado en las demás comerciales, y expresa mucho erotismo, sensualidad, atracción, química entre las dos personas, etc., una muy buena estrategia publicitaria, puede tener la intención de expresar que si usas Hugo Boss llegarás a seducir como el personaje de la fotografía, o que atraerás a mujeres muy guapas, como la joven plasmada. El plus de la fotografía es que no se pierde la elegancia de ambos personajes, es un acto de erotismo pero con clase, otro beneficio que se pudiera estar promocionando de la línea de ropa. Que siempre expresarás clase sin importar las circunstancias.
Noté que Eisenberg es un fotógrafo de poses, ninguna de las fotos de la exposición tenía movimiento, todo era estático. También observe en la exposición cierta predominancia de colores oscuros en los fondos o en la ropa, y también de fotografías blanco y negro. Me di cuenta que todos los rostros de los personajes expresaban sentimientos, ya sea de miedo, incertidumbre, felicidad, o una infinidad de cosas más. No encontré el seguimiento de ningún patrón, cada fotografía era completa y totalmente distinta de la anterior; cada una expresaba sentimientos específicos. Y el ambiente en cada una de ellas era distinto, a excepción del patrón de las fotos oscuras, nada se repetía. Tan solo un par eran coloridas y las poses de los personajes eran variadas pero todas transmitían cosas especiales. En lo personal su estilo me parece muy interesante, el tomar las poses, con gesticulaciones no exageradas, pero que expresan muchísimos sentimientos, siento que capta la esencia de lo que quiere expresar con un simple gesto casi imperceptible. Es muy bueno fotografiando, elige los paisajes y fondos ideales y maneja realmente bien la combinación de colores. Sus fotografías realmente llaman la atención del espectador, son de las cosas que te obligan a que las observes con detalle, aunque no sea necesario analizarlas bajo lupa para entender lo que expresan. Para concluir es importante mencionar que tiene un estilo libre, muy peculiar (por lo mencionado acerca de el alto grado de expresión que tienen las fotos) y que en lo personal me agrado mucho.
FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: FotoSeptiembre.
Autor: Ganadores del XVI Concurso de la foto, otros fotógrafos, David Eisenberg.
Técnicas: Fotografía.
Lugar: Centro de Arte Moderno de Guadalajara, A. C.
Fecha: Por inaugurar
Fotos en el post: Ninguna de las fotografías tenia título. Pero todas son de David Eisenberg.

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5 pm / Paula Quesada





El dia 3 de Septiempre cuando pasaba por avenida guadalupe, me di cuenta de que había una exposicion de arte, en un café llamado 5 pm. En este café tienen diferentes exposiciones, se podria decir que es como un café galería, y las exposicioens están cambiando constantemente, a mi me toco ver una exposición de fotografía de un autor llamado Luis Farf'an.
Las fotogr
afías expresaban diferentes lugares de México, sin embargo me pareció muy interesante como el autor hacia una comparación entre el México antiguo, tradicional y el México actual, lleno de coches contaminacion etc. asi mismo jugaba con los colores, pues a las fotos de la antiguedad, son fotos en blanco y negro pero a la actualidad usa colores mas vívos.
La exposicion me pareció muy interesante, la comparación y como ha ido méxico cambiando y de cierta forma se ha ido olvidadno lo que solía ser lo tradicional. Además me parece que el concepto del café es muy bueno, pues la decoración siempre es disitinta y te da la oportunidad de conocer diferentes tipos de arte ya que no siempre son fotografías. Las obras que se exhiben siempre están a la venta.

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Homenaje al Maestro David Eisenberg- Julieta Medrano


Asistí a la exposición Homenaje al maestro David Eisenberg, realizada por Heriberto de la Rosa en el Salón de la Foto del Centro de Arte Moderno de Guadalajara, la cual me pareció bastante interesante, al mismo tiempo que extraña, extremista, multicultural, multicolor, pero grandiosamente realista y actual, ya que esta compuesta por una infinidad de variables; Entre al salón y realmente me quede sorprendida y en shock preguntándome, ¿que pasa aquí?, porque sólo veía fotos por doquier, sin un tema en específico, pero al ir observando y analizando cada una de ellas encontré la magnífica relación que esta detrás de ellas y la particular manera en la cual estaban entrelazadas y es que existía de una conexión que se sentía de cierta manera maravillosa, ya que cuando te puedes imaginar ver juntos a Fidel Castro, Vicente Fox, la tongolele, futbolistas, modelos, contorsionistas y demás, juntos, en una sola exposición, en un solo salón, compartiendo espacios.


En sí el concepto que todas y cada una de las fotos manejan algún detalle en especial y único, cada una de ellas tienen su propia luz el cual hace que destaquen, en mi muy particular punto de vista esta exposición es de lo mejor al poder manejar para empezar una temática tan variada ir desde lo triste, cruel, serio, hasta lo explosivo como futbolistas, modelos, mimos, mujeres de colores embarazadas, contorsionistas, etc; es genial la manera en que el fotógrafo se dispone a llevarte a un mundo en el cual no viene importando el origen de la cosas, pero como nosotros lo reconocemos y asociamos al instante cada uno de los orígenes de las fotos nos resulta de pasar un muy buen rato la mayoría del tiempo riendo con las conexiones que este fotógrafo se permite realizar de la nada y enfrentándose al mundo enigmático de la crítica.
Cabe mencionar que las fotos expuestas en el salón fueron tomadas por el fotógrafo David Eisenberg de diferentes ángulos, con diferentes niveles de luz por lo tanto estos generaron diversas fotografías de arte moderno. La mayoría de ellas contaban con líneas muy marcadas, m llamó mucho la atención una foto en especial la cual está vilmente influenciada por Tamara de Lempika. Pero así como esa había otras fotos las cuáles eran expresionismo puro por la cuestión que ya había mencionado de que reflejan una realidad de nuestra sociedad actual.

Y para finalizar es por eso el que les recomiendo de antemano que acudan a visitar esta expo de fotografías en el salón de la foto del Centro de Arte Moderno la cuál se estrena este Viernes, como pueden ver no pude subir fotos porque Herberto de la Rosa quien es el encargado me dijo que mejor los invitara a verla, de hecho las fotos ya estaban montadas, sólo que andaban arreglando la iluminación y demás. Espero que asistan la verdad es genial a mi me gusto mucho ya que son algunas imágenes muy comunes complementadas con otras un poco mas complejas las cuáles logran una verdadera armonía para exponernos algo puramente realista y actual.
Ficha técnica:
Nombre de la exposición: Homenaje al Maestro David Eisenberg
Autor: Herberto de la Rosa
Técnicas: Fotografía
Lugar: El Salón de la Foto en el Centro de Arte moderno de Guadalajara
Fecha: 03/09/08
Fotos en el post: flyer de la invitación a la inauguración.

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Importado de Nueva York / Mónica Villarreal


Queridos lectores, si cuando hablamos de arte les gusta ver variedad, les invito a que paren un momento antes del día 28 de este mes al antiguo Exconvento del Carmen a ver la exposición “Tránsitos Alternos”, y hablo de variedad ya que es un conjunto de obras de varios contribuyentes que pertenecen al Leonard Codex Art Assemblage fundado por los artistas mexicanos Carlos Rodal y Carlos Pez el cual tiene su ubicación en Nueva York. Paco Barreda, titular de la Dirección de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de Jalisco, decidió darle este año la coordinación a Carlos Rodal para su exposición. Se ensambla una gran variedad de temáticas, estilos y técnicas y me es muy difícil hablarles de la obra de un sólo autor así que les comentaré de las obras de dos de los pintores participantes.

Para iniciar quiero presentarles el trabajo de Kristen Copham, podemos ver a la debajo su obra titulada “Rostros I”, fue creada entre los años de 2004-2008. Consta de pequeños retablos de madera con retratos al óleo en colores primarios de ciudadanos neoyorquinos reales que, instalados firmemente juntos y formando un gran mosaico, logran este conjunto en el que nos muestra la multiculturalidad de la ciudad que es tan representada por su basta y variada mezcla de etnias. Su obra nos muestra un estilo impresionista ya que el color y las luces son dueñas del protagonismo muy por encima de la forma, aunque no hay que caer en el error de subestimar el detalle de los rasgos físicos que los hacen diferentes y únicos los unos de los otros, las diferencias raciales se vuelven objetivo. Curiosamente me recuerda al juego de mesa llamado “Adivina quien”. Kristen Copham actualmente vive en Nueva York pero estudió historia del arte en Sevilla, esto me hace analizar si su interés en la multiculturidad nació de su contacto  con culturas diferentes como resultado de sus años en Sevilla aunados a su residencia en donde, como decía anteriormente, se respira la mezcla de cientos de culturas.



Foto 1: Rostros I (2008), de Kristen Copham

Otro artista que captó mi atención fue Luis Monge con “Paisaje aéreo I” del 2008, de esta obra la principal característica que atrapó mi curiosidad fue la forma, pero no exactamente de la composición, sino de la técnica y el material. Por primera vez me encuentro ante esta manera en la que no sólo el contenido tiene la libertad de la forma que es tan característica en el arte abstracto, sino que además le da esa libertad al mismo medio, al lienzo el cual sobresale irregularmente del esqueleto de madera. La obra compuesta de acrílico sobre lienzo me transmite una fuerte energía no sólo por los vivaces colores que la adornan, sino también por la técnica utilizada que, aunque ya conocía la manipulación de globos con pintura, aunada a la libre manipulación de la forma me irradia un sentimiento de cambio y rebeldía ante los cánones y dogmas del arte clásico.


Foto 2: Paisaje Aéreo (2008), de Luis Monge


FICHA TÉCNICA (Foto 1)
Nombre de la exposición: Tránsitos Alternos
Autor: Kristen Copham
Técnicas: Óleo sobre madera
Lugar: Exconvento del Carmen
Fecha: 2 de Septiembre del 2008
Fotos en el post: Mónica Villarreal

FICHA TÉCNICA (Foto 2 y 3)
Nombre de la exposición: Tránsitos Alternos
Autor: Luis Monge
Técnicas: Acrílico sobre lienzo
Lugar: Exconvento del Carmen
Fecha: 2 de Septiembre del 2008
Fotos en el post: Mónica Villarreal

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El Día de la Langosta/Mayra Rosas






El Día de la Langosta/Mayra Rosas

Hace unos días estuve de visita en el Museo de Arte Raúl Anguiano en donde había 2 salas con distintas exposiciones.
Sinceramente al momento de enterarme de que tenía que asistir alguna exposición relacionada con arte no sentí ningún interés, al llegar al museo me pareció que me iba a impresionar porque por fuera estaba con diferentes pinturas y se veía a simple vista impresionante. (Fotos anexas)
Al entrar me informe por un policía que estaba encargado, de que, son 3 salas y solo en 2 había exposiciones ya que la otra se encuentra en reparación.
Recorrí ambas salas y la verdad me sorprendí porque en una era estilo cenefa en grafiti, (foto anexa). En la que me enfoque y percato toda mi atención fue la de la otra sala donde se encontraba un árbol pintado en la pared y abajo un coche real destruido, es decir, estaba representado como mucha gente lo visualizamos en nuestros pensamientos “el típico accidente”.(foto anexa)
Por otra parte quisiera mencionar que en lo personal consideraba que arte era una pieza creada quizás no tangible, es decir que era algo creado como una pieza, pintura y viendo la del coche que es algo real y el árbol pintado en la pared fue algo curioso porque es un arte muy distinto al que vemos comúnmente.
“Esta hipótesis es uno de los principios de la teoría del caos. Lo que en esta sala se encuentra es la narración de una historia desatada en un instante, y sobre el instante en que algo surge, cambia y se detiene para transitar de nuevo, solo que el inicio, y el fin están descompuestos caóticamente en la estructura narrativa del espacio y en los confines de sus propias delimitaciones”.

FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: El Día de la Langosta
Autor: Susana Rodríguez
Lugar: Museo de Arte Raúl Anguiano
Fecha: Del 29 de Junio al 12 de Octubre de 2008 (Sera expuesta)

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MUSEO DE ARTE RAUL ANGUIANO – LIZETH ZARATE

Exposición: EL DÍA DE LA LANGOSTA - SUSANA RODRÍGUEZ

Asistí el pasado lunes al museo de arte Raúl Anguiano, me pareció un tanto reducido a comparación de cuando era teatro, pero aún así fue una visita bastante interesante.


Había dos exposiciones distintas, una de ellas era una especie de cenefa de graffiti, que rodeaba todo el salón, entre diversas obras. La que más llamó mi atención fue una que estaba inmediatamente al ingresar al museo, denominada “El día de la Langosta” de Susana Rodríguez. Al entrar, me llamó la atención un árbol que estaba pintado a lo largo de la pared con un carro chocado simulando el choque entre el carro y el árbol.


Del otro extremo del salón se encontraba una silla con un poste de luz en el suelo, yo lo interpreté como un choque entre la silla y el poste. En medio del salón se encontraban dos pequeños changuitos con una especie de flores.



En realidad el asistir a ésta exposición hizo nacer en mi una curiosidad inmensa de conocer más acerca de Susana Rodríguez y de asistir a mas galerias de arte moderno, ya que se ven infinidad de ideas diversas que enriquecen tu mente, te dan diferentes perspectivas.


Los invito a pasar a éste museo, es rápido y te deja reflexionando al momento de partir.



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Iba camino al Centro de Arte Moderno cuando volteé a ver una galería en la calle principal. Por la calle Pablo Neruda, descubrí una galería que al hacer mi investigación no había leído. Galería Sanchez - Villanueva, esta en constante cambio y cada mes cambian de presentación, la presentación que vi capto mi atención y después de investigar algunos términos de los que me explicaron entendí porque.

En las pinturas los artistas expresaron que querían mostrar un equilibrio entre el expresionismo y sus técnicas. Se basaron en la naturaleza, mostrando algo que yo podría interpretar como calidez, y viento. Ya que los colores según ellos es lo que expresan.

También pudimos apreciar diferentes esculturas que los materiales que usaron son tomados directamente de la naturalezas ya que usaban huesos y huevos de diferentes animales para formar figuras diferentes, pero sin olvidar sus colores base, amarillos, cafés, naranja, rojos, etc.
Galeria: Sanchez Villanueva
Nombre: La naturaleza
Dirección: Pablo Neruda Primera Sección Providencia
Técnica: pintura, acuarela y esculturas
Fecha: Agosto, 2008

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Contraste-Cecilia Galvan








La galería a la que yo fui era de los estudiantes de la U de G de un curso de fotografía que tuvieron. Yo no soy una persona a la que le guste ir mucho a galerias sin embargo esta me gusto mucho. Cuando entre pude observar que las fotografias estaban separadas en diferentes cuartos y tenias que subir por una escalera. En la galeria habia una ventana por la cual se podia ver Guadalajara, en realidad me gusto mucho esta nueva experiencia. Cuando comenze a ver las fotografias pude darme cuenta que en todas habia un gran contraste entre: lo bueno y lo malo, el rico y el pobre, y el amor y el odio. La primera fotografia que escogi fue la de una niña atras de un joven. Esta fotografia me transmitio mucho ya que se veia una comparacion impresionante entre la inocencia de la niña, su niñez y su cara reflejando bondad. Por otra parte en el frente se podia observar la cara de un joven con artes y tatuado. Esta fue una fotografia muy interesante para mi por que se podia observar la inocencia de la niña y un joven que ya vivo demasiadas cosas.


La segunda fotografia que observe fue todavia mas impresionante ya que era una pintura pintada en la calle. En esta fotografia se puede ver que esta una pintura de el reino de dios y dios dandole la mano a una niña. En la parte inferior se puede ver a dos hombres un trabajador y un joven todo tatuado. Para mi esta es una exelente fotografia ya que dios le esta dando la mano a la niña como llevandola con el a su mundo de amor y bondad, para que deje el mundo de delincuencia y tristesa que esta reflejado en los dos hombres que estan recargados en la pintura. Esta es una fotografia que te muestra lo bueno y lo malo de una manera muy clara. Otra fotografi muy interesante que pude ver fue la de un bebe que estaba en su cama al frente de la fotografia y en la parte de atras de podia ver la pobreza de su casa. Estas fotrografias me transmitieron mucho sentimiento y me hicieron pensar sobre las diferencias tan claras que hay en nuestro mundo. Exelentes Fotografías.


FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: Estudiantes de la U de G Curso de Fotografia
Autor: Estudiantes de la U de G
Técnicas: Juego de Luz y contraste.
Lugar: Casa Escorza
Fecha:03, septiembre, 2008
Fotos en el post: No decia quien tomo cada foto

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"¡¿Quién da más?!" / Mariana Camacho

"¡¿ Quién da más ?!" - gritaba el martillero de la subasta, el señor Paco de la Peña.


El pasado jueves 22 de Agosto tuve la oportunidad de asistir a una subasta de arte contemporáneo, la primera que he visto. "Subasta por el Arte" se llamaba. Era a favor del grupo Anzar de Danza Contemporánea y se llevó a cabo en la Galería Jorge Martínez.
El término "subasta" siempre lo había relacionado con elegancia y, por supuesto, mucho dinero. Cuando llegué ahí me di cuenta de que la elegancia faltaba, y el dinero no se veía. Las personas presentes iban vestidas de manera muy peculiar, cada uno a su estilo. Supuse en el momento que tenía que ver con el hecho de que eran artistas o críticos de arte, lo cual comprobé al terminar la subasta.


"Suricatas Goliardas" de Antonio Sandoval

En fin, la puja por la primera obra de arte comenzó a las 9:00 pm. Antes de empezar, dieron media hora para admirar los cuadros, grabados y fotografías que serían subastados esa noche; momento que aproveché para tomar las fotografías. Algo que noté curioso es que te dan un folleto en el cual viene el precio de la obra en las galerías y el precio al que lo están dando esa noche, como si fuera una venta nocturna de alguna tienda departamental y quisieran demostrar que realmente es una ganga. No lo critico, pero como nunca lo había visto no tenía referencia alguna para comparar.

Una subasta es cuando la gente que está interesada en un artículo ofrece lo que cree conveniente pagar por él, y la oferta más alta se lo lleva. ¿Por qué entonces arriesgar a una obra de arte a venderse en $500 menos de lo que estaba originalmente valuada? Supongo que el arte no es tan sagrado después de todo y se aplica la frase "El fin justifica los medios" (en este caso, el fin es caridad).
Todas las obras tenían algo peculiar y distintivo. Hacían que te detuvieras al menos un instante a contemplarlas, ya fuera porque eran muy bellas, elaboradas o demasiado extrañas. Todas eran únicas y no se parecían a algo que yo hubiera visto antes, ya fuera por la técnica o el tema.
La subasta comenzó bien, con las primeras 8 obras vendidas, y no por la primera oferta. Había obras de autores bastante famosos como Alejandro Colunga y Carlos Reyes. La mayoría eran abstractas y, cómo lo describía el Sr. Martillero, vanguardistas.

"Diferencia y Continuidad I" de Manuel Felguerez


Llego la décima obra. Antes de que empezara la puja, el Martillero mencionó que el autor de ésta obra, una fotografía llamada "Desnudo con caja", estaba presente en la subasta. Lo presentó al público y comenzó la puja. $900 fue el precio inicial. "Una.. dos.. dos y media.. una..". El Martillero seguía contando las oportunidades para las ofertas y ensalsando el nombre del artista, prácticamente nos leyó su currículum. La obra no se vendía. Tuvieron que pedir permiso al autor de bajar el precio de la fotografía a $500. ¿Pueden creerlo? ¡De $900 iniciales y $2500 en las galerías! Algo bastante vergonzoso para mi gusto. El autor accedió y la obra se vendió con una sola oferta, que, a mi parecer, no se hubiera vendido si no fuera por la presencia del artista.

Otra curiosidad fue que ésta fue la única obra de desnudo que se vendió. Había otras 4 que usaban ese tema: una de muy mal gusto llamada "La Mamadora Light" (imagínense que hasta el Martillero se tuvo que disculpar por ésto), y otras 3 de bastante buen gusto para mi parecer, como "Mellizas" de Ricardo Mora, lo que se considera bello estéticamente y grácil. Pero ninguna se vendió. Al preguntarle al caballero que más dinero gastó esa noche en cuadros (si se preguntaban, me pidieron que no mencionara la cantidad), me dijo que él podría llevar a la subasta unos 20 cuadros de desnudos que tiene en su casa, los cuales quitó para poner los nuevos = los cuadros de desnudos son demasiado trillados y los hay por doquier.


"Mellizas" de Ricardo Mora


A mi gusto, los cuadros que se llevaron la noche fueron los más sencillos a la vista. La mayoría eran óleos sobre papel y serigrafías, pero tanto como los temas así como la pintura eran muy simples y atractivas. Eran abstractas y daban vuelo a tu imaginación. No era algo claro, cómo brochasos a lo largo del papel o rayas en distintas direcciones, así que dependían de la interpretación de cada quién. Fueron los que más me agradaron.


Sin Título de Rutilio Medina


Nos contaban la historia y logros de cada artista cada vez que una obra suya era expuesta para recibir ofertas, como esperando que por el apellido pagáramos algunos centavos más. Al preguntar al final a dos de los compradores más espléndidos, me dijeron ambos que lo que importaba no era el nombre del artista ni la técnica que usaba, sino el propósito de la obra. Si ellos pensaban colgar un cuadro en el cuarto de los niños no iban a comprar un desnudo. Éste dato de me hizo muy curioso, pues siempre pensé que se compraban las obras por el nombre del autor, más que por alguna otra cosa. Contrariamente, al preguntar al Sr. Martillero cómo éra que se valuaban, contestó que el nombre era lo más importante (Con razón "La Mamadora Light" de Humberto López Trejo está aquí, pensé, ¿por qué otra razón expondrían algo así?).
La obra más cara de la noche fue la de "...Incubo Súcubo" de Daniel Kent, que se vendió por $3500. A mi la verdad no me pareció nada atractiva a la vista, era algo grotesca... pero extrañamente creo que era excelente porque ése era precisamente su cometido. La otra obra de éste autor, hecha con la misma técnica y algo similar en la imagen, no se vendió.

"...Incubo súcubo" de Daniel Kent

A las 10:30 pm, con 47 obras expuestas (27 vendidas y 20 devueltas a sus galerías de procedencia), terminó la noche. Una noche de arte contemporáneo en cuadros o en piezas de pared, porque no había nada conceptual. Me agradaron la mayoría de las obras. Las técnicas eran variadas, pero aunque se veían sencillas todas eran muy elaboradas, en especial las serigrafías y los grabados. Y creo que cada una lograba su cometido, las que estaban hechas para causar una impresión desagradable en el espectador lo lograron, al igual que las que gustaban estéticamente. Claro que la obra que ya mencioné dos veces en este texto, la de Humberto López Trejo, fue la única que desentono completamente con la galería, y eso que había obras bastante extrañas.

"..Una gran colección de Arte comienza con una obra." Paco de la Peña. Consultor de Arte.

Con ésta frase, el Sr. Martillero cerró la noche y los compradores se fueron a casa con algunos cuadros más para su colección o para su re-venta. Quién sabe. Sólo ellos sabrán cuánto gastan en una obra y con qué propósito lo hacen. Fue una experiencia bastante interesante, porque aunque no traía ni $50 en la bolsa, cada oferta parecía cómo si fuera la mía, enserio es muy emocionante ser testigo de la competencia que se lleva a cabo por ser dueño de lo que, a final de cuentas, es otro artículo más.

* Ficha Técnica:

Nombre de la exposición: "Subasta por el Arte"

Autor: Varios: Ana Maria Godinez, Scott Neri, Domi, Rutilio Medina, Roberto Pulido, Carlos Reyes, Manuel Ramírez, Ricardo Alemán, Marcos García, Benito Zamora, Pedro Friederberg, Manuel Felguerez, Ricardo Pinto, Balo Pulido, Salvador Rodríguez, Antonio Sandoval, Enrique Oroz, Antonio Ramírez Chávez, Alejandro Colunga, José Luis Cuevas, Miguel García Ceballos, Daniel Kent, Mario Martín del Campo, Leonel Maciel, Ricardo Mora, Juan Medina, Humberto López Trejo, Rita Basulto, Tuun Nal, Adriana Alexanderson, Zufiarur, Carlos Reyes, Marco Antonio López P., Rigoberto Soltero.

Técnicas: Grabado, Óleo (sobre papel, cartón o tela), Serigrafía, Impresión cromógena digital (Fotografía), Acrílico (sobre madera), Aguafuerte, Tinta (sobre papel) y Mixta.

Lugar: Galería Jorge Matínez

Fecha: Jueves 22 de Agosto, 2008

Fotos en el Post: Mariana Camacho















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Chio- Galería de Arte "Ajolote Contemporáneo"

Técnica Aplicada= Impresionismo/Fauvismo

Lienzo





Técnica Aplicada= Puntillismo- Lienzo


Justo cuando ya faltaban tres minutos para que cerrara la galería pude llegar a tiempo para poder apreciar todo el arte que exponen, ya había ido hace años a esta galería y ahora de nuevo regreso para ver que había de nuevo.




La galería de arte el Ajolote Contemporáneo, es una galería la cual se dedica a exhibir obras de arte, tales como pinturas, fotografías, arte objeto y esculturas de solamente artistas tapatíos, (que eso es de lujo) esto con el fin de promover el arte Regional.



La galería que en este momento estaba en exhibión, era una galería de arte contemporáneo "permanente" la cual, mientras no tienen un evento definido trata de exponer aquellas obras que siempre están en la galería hasta el momento de su compra.



Uno de los artistas más reconocidos a nivel regional, nacional e inclusive mundial, es el artista tapatío Benito Zamora, quién es un pintor muy exitoso además de que se le conoce su obra por tener pinturas donde el tema principal es el pintar en lienzo máscaras. También se exhibían otras obras de artistas tales como Enrique Monraz que utiliza la técnica del collage y Ernesto Flores que se destaca por la serígrafía como en una de sus obras "La Virgen del Peyote" Pude Observar también obras de diversos artistas los cuales utilizaban técnicas como el puntillismo ( imagen del bebé, que aunque no lo crean si esta hecho con solo series de puntos aunque no se logre a apreciar en la fotografía) y otra pintura impresionista donde se juega mucho con la mezcla de colores y luces. Es interesante esta galeróa porque se pueden apreciar muchas técnicas variadas de artistas regionales como el puntillismo, impresionismo, expresionismo, etc, que vale la pena ver, además todas las obras están a la venta.


Había otra obra la cual llamó mucho mi atención pero no me permitieron tomarle una fotografía, pero se las describiré, son hojas de un directorio pegadas en un cuadro y encima de esas hojas estaba dibujado partes de la muscultura humana, como los tendones ligamentos, y algunos huesos, y con explicaciones científicas, no se que tipo de estilo quería demostrar el artista pero creo que era algo muy conceptual, y la verdad muy orginal.


Pronto pondrán en la galería una colección con el tema del otoño siempre respetando que sea contemporaneo y les relataré que tal me fue con esa exposición que sé va a ser muy buena :D

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Carne Coloreada -Por Adrián Cervantes -


Yo nunca he sido fan de los chilangos, pero en cambio las chilenas me motivan, salen en el FTV y parece que todo se detiene. Fue una de estas hijas de Santiago, perdida en la ciudad de las pistas de hielo artificiales, la culpable de que haya yo terminado gastando mi dinero y fin de semana rodeado de capitalinos.
Pero en fin, no estoy aquí para hablar de oriundismos, sino para hacerme pasar por crítico de arte y escribir, a manera de saltimbanqui mediocre, una reseña que me haga meritorio de una calificación decente en mi primer parcial. Advierto que no se fíen de una sola palabra que se lean aquí.
Ya con la chilena del brazo, a quien pondremos por nombre Maya, aunque viva en Tenochtitlan, fui al Museo Nacional del Arte, donde, además de guardias con cara de camellos y una cantidad considerable de turistas, había una exposición temporal llamada “La Carne y el Color”.
La Carne y el Color era… eso, carne y color (no filetes de res teñidos de naranja, que hubiera sido muy post moderno y muy happening y todas esas cosas que debato de madrugada en lunes, pero parece que en el Museo Nacional son de la vieja guardia y todavía creen en los frescos y las pinturas y esas cosas), el cuerpo humano tratado de diferentes formas y pintado de colores varios.
Los artistas variaban desde Picasso hasta el dedicado transeúnte que se tomara unos minutos de su tiempo para jugar con las obras interactivas que ofrecía el museo (en realidad era como un photoshop de petatiux que tenía digitalizadas las obras expuestas y lo dejaba a uno cambiarles de colores, pero ya ven, todos quieren ser artistas).
No eran demasiadas obras, apenas unas 30, por ahí había un pedacito del equivalente al papel bond del siglo XV en el que el mismísimo DaVinci había trazado una pierna, aunque estaba muy escondido y no lo habría visto si el hermano de Maya (que hacía un chaperón muy tolerable) no se nos hubiera perdido.
También había una mujer dibujada por Picasso, quien tenía la firme creencia de que las féminas son todas naranjas, o al menos así lo refleja su obra.




El mexicanísimo Clemente Orozco también se hizo presente con una obra de tamaño irrisorio para lo que me tiene acostumbrado acá en los edificios gubernamentales tapatíos. Con decir que no llegaba ni a los tres metros de alto:



Todos los demás artistas seguro eran una maravilla y sudaron la gota gorda antes de que alguien los considerara para adornar las paredes de museos nacionales, pero yo -que conozco de pintores lo mismo que de pasteles, es decir, los más comercialotes- no sabría repetir los nombres.

Es curioso como todas las exposiciones del planeta deben tener, por lo menos, un Cristo, una Virgen, algún santito o ya de perdida unos angelitos por ahí aleteando, aunque lo más común es verlos todos. Ya sé que en el arte moderno esto no es verdad, pero el arte moderno es una invención del Tec para hacerme ir a clases a las 7 de la mañana y en realidad no existe (ya sé que eso no tiene sentido, pero que una foto de latas de súper cueste 3 millones de dólares tiene mucho, mucho menos).

Pues acá había un Cristo y hasta le rezaban, o eso parecía (ver foto adjunta). ¿Quién lo pintó?, no se puede saber, se parece al de Velázquez, nada más que este voltea para arriba en vez de para abajo y no trae el pelo de partido a la mitad (se sospecha que ese Cristo de Velázquez fue la inspiración para los cortes de cabello emo que se usan hoy en día. Como dice la publicidad: Jesús es buena onda).




No sé si haya omitido algo de vital importancia, pero tengo la sospecha de que ya es todo. Si alguien tiene algún comentario sobre el sinsentido que es mi blog, por favor no me lo diga.

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Casa Escorza /Ari Jimenez

Este fin de semana fui a la Casa Escorza junto con varios amigos, en donde pudimos apreciar diferentes piezas de arte moderno. Habia de todo un poco y esta pintura me agrado ya que contiene cierto minimalismo. Los colores son tenues menos los tonos rojos lo cual le dan un poco de agresividad a la pintura y un poco de caracter. 


El arte en esa galeria estaba muy padre, de hecho encontre varias otras pinturas que me gustaron y que colgaria en mi sala hahaha. El concepto de este artista es muy minimalista, como ya habia mencionado, y a mi me gusta mucho ese estilo porque no existe un saturacion. Incluso a cualquier lugar donde voy (restaurantes, casas, etc) me gusta que no sean saturados y que tengan detalles en las paredes pequeños que den personalidad sin perder el gusto.



FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: 
Autor: Marvin Abdel
Técnicas: 
Lugar: Casa Escorza
Fecha: 30 de Agosto de 2008

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¿Arte Elite?/Ricardo Cortes Alarcón

El pasado martes 26 de agosto asistí a la exposición que realiza en diferentes partes del país la revista YOKO, en esta ocasión se llevaron a cabo en las instalaciones del Centro de Arte Moderno de Guadalajara A.C.. Mas que una exposición es una manera de dar a conocer el concepto que tiene su revista, siendo esta una revista que está cerca de las vanguardias multiculturales. Su enfoque es para aquellos consumistas del arte y la moda para que puedan sentir el “lifestyle” de otros países del mundo atraídos por las páginas de revista. Dentro de esta exposición tuvieron diferentes fotografías y obras que me llamaron la atención, ya que como lo dije anteriormente se encuentran en un mundo cambiante y ellos mantienen ese estilo de moda que esta globalizado y que nos lo dan a conocer. Además esta revista tiene ese compromiso de demostrar mas allá de la cultura y el arte contemporáneo, no nomas en dicha revista si no en sus diferentes exposiciones pero además en una que otra fiesta pero también en la posición de su revista en diferentes aerolíneas del país.

¿Arte o Mercado? En este sentido de exposición no se puede saber a ciencia cierta si realmente el objetivo de la revista es que la quieran llevar a las diferentes exposición, sea para crear una expectativa ante la sociedad y las obras que se muestran en ella puedan llegar a cotizarse más caras nomas por la referencia de salir en una revista de arte. Para bien o para mal es una revista que tiene como objetivo solo llevarse a un alto estilo de vida, exponiendo diferentes estilos como el de viajar, moda, arte, etc. Pero lo que es de reconocer, es que es una revista 100% Mexicana según me comentaban y pues da a conocer al público las diferentes exhibiciones dentro de las ciudades de México y Guadalajara.

En la exposición que nos presentaron nos quisieron resaltar que las fotografías tenían mas valor por la presentación en la revista que por el autor que las hizo, ya que no ponían el autor de las obras si no simplemente ponían el nombre de la revista en grande a un costado. A continuación presentare dos de las fotografías que mas me pudieron a ver gustado, pero sin autor, como repito estas simplemente estaban compuestas por el nombre de la revista.


Finalmente este ensayo me deja la conclusión que muchas veces el artista es la única persona que sabe cómo va a querer que sea vista su obra, el hecho de que tu obra se publicada en este tipo de revistas “elite” te hace en dado caso cotizarte y ser visto por gente de alto nivel. Depende mucho de la difusión y de lo popular que puedas ser para que tu obra te deje para comer.

FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: Revista Yoko
Autor: Sin Nombre
Técnicas: Fotografías
Lugar: Centro de Arte Moderno de Guadalajara A.C.
Fecha: 30 de Agosto de 2008

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Arte en casa/Sofia Valderrama Arroyo

En una casa particular se albergan un centenar de obras de arte de distintos temas elaborados principalmente con óleo, esta colección de obras llevan el nombre de "arte en casa" y son nada mas que el resultado de varios años de trabajo y dedicación sobresalientes.
La colección pertenece a la artista Carolina Ramos Abarca, quien abrió las puertas de su casa para presumir y deleitarme con sus obras de arte tan alegres, coloridas y variadas.
Su casa contiene varios cuadros entre ellos los que a continuación presento:

Foto 1, Puesta de sol en el desierto (2004), de Carolina Ramos Foto 2, Velero (2004), de Carolina Ramos

Foto 3, Tulipan (2005), de Carolina Ramos

Foto 4, Horizonte (2005), de Carolina Ramos

Todas sus obras sirven de decoración por toda su casa, dándole un toque acogedor y alegre al lugar. Platicando con ella, Caro me contestó a varias preguntas que le fui formulando, sus respuestas fueron las siguientes:


¿De cuántos cuadros consta tu colección?
R: Un poco más de 100
¿Qué fue lo que te inspiró a querer elaborar pinturas con temas tan naturales, alegres y coloridos?
R: Me gusta pintar cuadros con temas de la naturaleza, simplemente eso fue lo que me inspiró.
¿Qué técnica en particular es la que empleaste en la elaboración de dichas obras?


R: Óleo
¿Cómo te sentías al momento de pintar; necesitabas de algún sentimiento en particular para poder plasmar tu idea como querías?
R: Relajada, no necesitaba algún sentimiento en especial al menos que estar relajada y tranquila sea considerado un sentimiento, sino tenía esta actitud no me sentía con ganas de pintar nada.
¿Recibiste algún tipo de reconocimiento por alguna de tus obras?
R: No, solo el de mis amistades a las que se las enseño.
¿Según tu perspectiva qué se necesita para ser una artista?
R: Práctica, para perfeccionar tu técnica y poder realizar los cuadros con tus ideas tal cual te las imaginas.
¿Cualquier persona puede pintar?
R: Sí, para pintar necesitas mucha práctica pero mas que nada talento para poder plasmar tus ideas en un cuadro.

También comentaba que ella se siente muy orgullosa de lo que ha logrado (refiriéndose a su trabajo como artista, y pues aunque no ha sido reconocida por algún busca talentos (cosa que a ella no le importa) se nota que con su propia satisfacción y la de su familia y amigos es suficiente.
En lo personal, me gustaron mucho sus cuadros, están muy bien conservados; disfrute mucho viendo la técnica que utilizó, porque algunos de sus cuadros se ven muy reales, y para captar eso en un cuadro necesitas tener un talento especial, sin duda ella lo tiene. Fácilmente se puede percibir la belleza de cada una de sus obras.



FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: Arte en casa
Autor: Sofía Valderrama Arroyo
Técnica: Óleo
Lugar: Casa Particular
Fotos en el post: Sofia Valderrama

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“Anatomía de un Misterio”/ Susana Jimenez Maqueo








El pasado fin de semana, en la ciudad de Morelia Michoacán fui a una exposición en el centro histórica de la ciudad, no solamente por su gran belleza arquitectónica llamo mi atención, si no por que al entrar a uno de los museos, el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, en el cuál el expositor en tema era Carlos Larracilla, nacido en Guadalajara Jalisco, con 32 años de edad, y a lo que pude apreciar de su exposición es que retoma mucho escenas de circo, siempre tiene una relación directa con este mismo, tanto trapecios, escenario, como animales, personas mitad humana mitad animal, se me hizo muy interesante su concepto tanto como los títulos de las obras como en el diseño de las mismas, aunque un ambiente obscuro, su juego de luces y mesclas de blancos y negros, extrañamente genera felicidad y confusión al momento de apreciar sus obras, a mi punto de vista muy buen pintor.
FICHA TECNICA:

Nombre de la obra: Anatomia de un Misterio.

Autor: Carlos Larracilla.

Tecnicas: Pintura al oleo.

Fecha: 22 de Agosto 2008

Lugar: Morelia Michoacán México


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